El cloisonné japonés, una obra maestra muy apreciada
Etimología del cloisonné
Las obras maestras del arte japonés que aparentemente simbolizan su cultura y tradición están innegablemente llenas de asombro. Uno de los tesoros de orgullo que da no sólo estética, sino también el alma de su creatividad es un Cloisonné. Definámoslo primero, es una antigua técnica para decorar objetos de metal con material coloreado sujeto o separado por tiras de metal o alambre, normalmente de oro. A lo largo de la historia, en los últimos siglos, se ha utilizado el esmalte vítreo, pero en épocas más antiguas también se utilizaban incrustaciones de piedras preciosas talladas, vidrio y otros materiales. De hecho, es muy probable que el esmalte cloisonné comenzara como una imitación más fácil del trabajo cloisonné con gemas. La decoración se forma añadiendo primero compartimentos al objeto de metal soldando o fijando plata u oro en forma de hilos o tiras finas colocadas en sus bordes. Éstas quedan visibles en la pieza acabada, separando los distintos compartimentos del esmalte o las incrustaciones, que suelen ser de varios colores. Además, los objetos de esmalte Cloisonné se trabajan con polvo de esmalte convertido en pasta, que luego debe cocerse en un horno. Si se utilizan piedras preciosas o vidrios de colores, hay que cortar o moler las piezas para darles la forma de cada cloisonte. Podemos concluir que se necesita pasión y trabajo duro para realizar su majestuoso producto.
La antigüedad de la técnica del cloisonné se utilizaba sobre todo para la joyería de la pasión y pequeños accesorios para la ropa como alfileres, broches, botones y más, armas o pequeños objetos similares decorados con diseños geométricos o esquemáticos, con gruesas paredes de cloison. Para más información, en el Imperio Bizantino se desarrollaron técnicas que utilizaban alambres más finos para poder producir imágenes más pictóricas, utilizadas sobre todo para imágenes religiosas y joyería, y por entonces siempre con esmalte. También se utilizó en Europa, especialmente en el arte carolingio y otomano. En el siglo XIV, esta técnica de esmalte fue sustituida en Europa por el champlevé, pero se extendió a China, donde pronto se utilizó para recipientes mucho más grandes, como cuencos y jarrones; la técnica sigue siendo común en China hasta la actualidad, y a partir del siglo XVIII se produjeron en Occidente objetos de esmalte cloisonné con estilos derivados de China.
En la arquitectura bizantina media, la "mampostería cloisonné" se refiere a los muros construidos con una mezcla regular de piedra y ladrillo, a menudo con más de este último. La iglesia de Pammakaristos del siglo XI o XII en Estambul es un ejemplo.
A la idea principal en cuanto al reino japonés, también se produce en grandes cantidades a partir de mediados del siglo XIX, de muy alta calidad técnica. Y durante el tiempo de la era Meiji, el esmalte cloisonné japonés alcanzó un pico técnico, ya que la producción de artículos se convirtió en más avanzada que cualquiera que había existido antes, una muy buena impresión. Y cuando durante el período comprendido entre 1890 y 1910 que fue conocido y llamado como la "Edad de Oro" de los esmaltes japoneses. Uno de los primeros centros de cloisonné fue Nagoya, durante el dominio de Owari, con la empresa Ando Cloisonné, que es la principal productora. Los centros posteriores fueron Kioto y Edo, y Namikawa Yasuyuki, residente de Kioto, y Tokio, que pasó a llamarse Edo, residente de Namikawa Sōsuke, expusieron sus obras en la Feria Mundial y ganaron muchos premios. En Kioto Namikawa se convirtió en una de las principales empresas de cloisonné japonés. El Museo del Cloisonné de Namikawa Yasuyuki está específicamente dedicado a él. En Japón los esmaltes cloisonné se conocen como shippō-yaki o en caracteres japoneses 七宝焼. Los esmaltes japoneses se consideraban inigualables gracias a los nuevos logros en diseño y colorido que podemos decir en base a su genuinidad.
El esmalte suele crearse mediante un proceso llamado esmaltado, que es un tipo de arte decorativo antiguo que se utiliza habitualmente para embellecer objetos de metal, vidrio o cerámica. Consiste en mezclar vidrio en polvo con otros materiales para crear una pasta que se unta en el objeto. A continuación, el conjunto se cuece en un horno. La pasta se funde y se endurece hasta formar un revestimiento vítreo suave y duradero. Se pueden crear esmaltes de colores espectaculares añadiendo ciertos minerales metálicos al vidrio en polvo.
Origen del cloisonné
El cloisonné japonés utiliza una antigua técnica de esmaltado originada en Occidente durante la Edad Media. El término cloisonné proviene del francés cloison, cuyo significado es partición o segmentos, y se refiere a una forma de decoración en la que se aplican tiras o hilos metálicos a una superficie en formas cerradas. El vidrio o el esmalte se funden en cada zona dividida para crear una decoración elegante, parecida a una joya. Inicialmente, el cloisonné adornaba pequeñas porciones de joyas y accesorios de metal.
En China, el cloisonné evolucionó como una forma de arte importante. El taller del palacio imperial era el principal epicentro de los productos de cloisonné de alta calidad, producidos principalmente para glorificar templos y palacios. El color de las primeras obras chinas de cloisonné era predominantemente azul turquesa. Con el tiempo, la paleta se amplió e incluyó toda la gama de colores, así como el blanco y el negro. De estos coloridos prototipos de cloisonné chino nació el cloisonné japonés moderno. Conocido en Japón como "shippo", o "siete tesoros", los hábiles artesanos conseguían colores similares a los de las gemas.
Los artistas japoneses introdujeron muchas técnicas innovadoras en el arte del cloisonné. Consiguieron colores bien delineados y diseños sin alambres. Mientras que la técnica china se aplicaba generalmente a los bronces, los artesanos japoneses aplicaban el cloisonné a una variedad de superficies, desde el bronce hasta la arcilla y la porcelana vidriada. Los creadores japoneses experimentaron con nuevos medios y colores, como motas de oro y plata, láminas y negro intenso. Sobre todo, añadieron diseños pictóricos a su repertorio, lo que hizo que el cloisonné japonés fuera único y diferente de los prototipos chinos, que empleaban principalmente patrones y una paleta de colores limitada de esmalte.
La diferencia más notable entre el cloisonné japonés y el chino es la superficie vítrea. El cloisonné japonés está casi siempre finamente esmerilado y pulido para lograr esta transparencia pulida como una joya en la superficie. Otra diferencia notable es el diseño realista. En el cloisonné japonés se prefieren los árboles y las flores naturales y se representan de forma realista, mientras que en las obras chinas predominan los símbolos auspiciosos, como dragones y volutas de loto, en patrones y diseños simplificados.
También es único en el cloisonné japonés el uso de los colores, especialmente en el fondo. Los artistas japoneses utilizan un único color de fondo para contrastar con las escenas realistas representadas y para provocar un estado de ánimo poético, como se ve en el ejemplo de abajo, mientras que los artistas chinos utilizaban predominantemente el azul turquesa y rara vez dejaban el fondo en blanco, en su lugar se llenaban con uno o dos motivos.
Encontramos otra diferencia entre ambos en cuanto a la finalidad y el uso. La técnica japonesa del cloisonné se aplica a vasijas de diversas formas, a menudo como un okimono para el disfrute y la apreciación artística, mientras que el cloisonné chino se aplica para decorar animales de bronce de diversas formas, como shishi, caballos y patos, para alejar el mal o asegurar la buena fortuna.
La subasta de junio de Skinner's ofrece una colección de cloisonné japonés de gran alcance y calidad. Es el resultado de la devoción y el celo de toda una vida de un coleccionista por el cloisonné japonés, adquirido casi en su totalidad a través de galerías y marchantes de renombre en Estados Unidos y Europa. Ejemplos producidos durante la llamada Edad de Oro (1880-1910), incluyendo nombres conocidos y sus talleres, como Ando, Miwa, Hayashi y Ota de Nagoya e Inaba, Gonda, Kumeno, Tamura, Takeuchi y Namikawa de Kyoto.
Los ejemplos muestran colores que van desde el blanco cremoso hasta el azul esmeralda, el verde oliva, el rojo carmesí, el marrón dorado y el negro intenso, por citar algunos. Las técnicas son variadas, algunas utilizan el musen (sin alambre), el ginbari (suelo laminado), el totai (cuerpo de cerámica) y el moriage (repujado). Muchas otras exhiben la técnica más tradicional del yusen (con alambre) sobre un cuerpo de cobre o plata. La colección es un verdadero placer para los coleccionistas de cloisonné japonés. Esto es en referencia a un buen blogger de Suhyung Kim en el sitio Skinner Blog.
Otra referencia afirma y explica el origen del cloisonné por Woodrow Carpenter. A finales de los años 20, una pequeña bandeja de esmalte, fabricada en China, nos dio a conocer la palabra cloisonné. El material se parecía a la vajilla de granito de nuestra cocina. Obviamente, los hilos se utilizaban para mantener los colores separados. Entonces, el cloisonné era un esmalte con alambres que separaban los colores. Simplicidad, pura y dura. Aquí es donde la mayoría del público en general deja el tema, sin saber ni preocuparse por su rica historia.
Cloisonne es una palabra francesa que significa estar compartimentado, estar aislado de los demás, sentirse cortado o encerrado. Según Garner1 el término se remonta al siglo XVIII. No proporciona una fecha exacta ni indica quién utilizó por primera vez el término para describir el esmalte acabado o la técnica. Barsali2 nos dice que Teófilo utilizó "Correolae" para las celdas o compartimentos. La revista Harper's New Monthly #344, de enero de 1879 afirma que durante los siglos XIV y XVI lo que ahora se llama simplemente cloisonné se denominaba "esmaulx de plique" o "emaux de plite".
El término se remonta al siglo XVIII. No proporciona una fecha exacta ni indica quién utilizó por primera vez el término para describir el esmalte terminado o la técnica. Barsali2 nos dice que Theophilus utilizó "Correolae" para las celdas o compartimentos. La revista Harper's New Monthly #344, de enero de 1879 afirma que durante los siglos XIV y XVI lo que ahora se llama simplemente cloisonné se denominaba "esmaulx de plique" o "emaux de plite".
Tradicionalmente pensamos en el cloisonné como tiras finas (normalmente de sección rectangular) de metal dobladas para formar el contorno de un diseño y fijadas a la superficie de un objeto metálico, ya sea mediante soldadura o una capa de esmalte. Las celdas resultantes (cloisons) se rellenan después con esmalte.
Los investigadores coinciden en que la técnica del cloisonné se originó en Egipto antes del año 1800 a.C. Los adornos de oro llevaban incrustaciones de pequeñas piezas de turquesa, lapislázuli, cornalina y granate, y las incrustaciones se mantenían en su posición gracias a las nervaduras soldadas a la base de oro. Se especula que orfebres y vidrieros colaboraron para forjar o imitar estas obras utilizando gemas artificiales. En primer lugar, se sustituyeron las piedras por trozos de vidrio coloreado. Algunas parecen haber sido cementadas en su lugar.
En el número de abril de 1989 (Vol. 8, nº 2) de Glass on Metal, el Dr. Panicos Michaelides escribió sobre seis anillos del siglo XIII a.C. encontrados en Kouklia, un pequeño pueblo del suroeste de Chipre. En agosto de 1989, David Buckton presentó una ponencia en nuestra conferencia en la que describía el proceso utilizado para fabricar los insertos de cloisonné de estos anillos. En primer lugar, se construyó un marco o rejilla abierta soldando tiras de oro. A continuación, la estructura se colocaba en el fondo de una cavidad de un molde (probablemente de esteatita). La cavidad era tal que se producía un disco redondo. Las tiras de oro utilizadas para la estructura no eran tan anchas como la profundidad de la cavidad, por lo que la estructura no se extendía hasta la parte superior de la cavidad. Las celdas de la estructura se rellenaron con polvo de vidrio de color. Por último, se puso un polvo de vidrio de otro color para rellenar el espacio alrededor y por encima de la estructura. Después de la cocción, el disco se volcó. El resultado era un cloisonné en una cara y un vidrio liso en la otra. Esta técnica se utilizó hasta el siglo XI de nuestra era.
Cerca del final de la presentación del Sr. Buckton, mostró una diapositiva de una pieza de finales del siglo XIII del llamado email de plique, que hoy conocemos como cloisonné.
Era inevitable que, en algún momento, alguien se quedara sin cemento y tratara de fundir el inserto de vidrio mediante el calentamiento. Y, por supuesto, sabemos que alguien descubrió que el polvo de vidrio podía fundirse directamente con el metal. El progreso por accidentes afortunados y la genialidad de los artesanos que buscan atajos es el principal ingrediente del progreso.
¿Se originó el Cloisonné Yaki en el antiguo Egipto?
El cloisonné, una de las técnicas de esmaltado más antiguas y conocidas, muy extendida en la orfebrería y la metalistería, deriva su nombre de la palabra francesa (cloison) que significa "compartimento" o "partición". En términos sencillos, el esmaltado cloisonné es un proceso de tres etapas. En primer lugar, se sueldan tiras planas de metal (o alambre) de oro, plata, latón o cobre sobre la superficie del objeto metálico que se va a decorar, para crear pequeños compartimentos celulares con paredes pequeñas. A continuación, estos compartimentos divididos se rellenan con incrustaciones de piedras preciosas talladas u otros materiales preciosos, o con pasta de esmalte vítreo de colores. Por último, toda la construcción se cuece en un horno, se le da un acabado liso y se pule. Conocido en la Antigüedad clásica y en el arte cristiano medieval, así como en el arte islámico de Oriente Medio y en la cultura bizantina del Imperio Romano de Oriente, el esmaltado cloisonné también apareció en el arte chino durante las dinastías Ming (1368-1644) y Qing (1644-1911). En Japón, fue un método popular de decoración durante el periodo Edo (1603-1868) y el periodo Meiji (1868-1912). Una técnica de cloisonné más avanzada y visualmente impresionante es la conocida como Plique-à-jour, en la que los "compartimentos" se realizan con paredes temporales que se retiran después de que el esmalte se haya enfriado. Durante la época del arte románico, el cloisonné fue superado gradualmente en Europa por el esmaltado champlevé, que utiliza compartimentos hundidos en lugar de elevados.
Los primeros esmaltes cloisonné aparecieron en el arte de la joyería del Antiguo Egipto, como las joyas pectorales que llevaban los faraones, y en las tumbas del siglo XII a.C. en la isla de Chipre. (Véase también Metalistería de la Antigua Grecia). Luego fue adoptada por las tribus bárbaras que emigraron, como los visigodos, cuyos orfebres combinaban cloisons de paredes gruesas con granates rojos, oro y esmalte vítreo. Al mismo tiempo, la técnica del hilo fino se desarrollaba en el Imperio Romano de Oriente, centrado en Constantinopla, y en Europa Occidental por la orfebrería celta, que tuvo una enorme influencia en el arte cristiano primitivo en los monasterios de Irlanda y el norte de Inglaterra. El estilo también fue imitado durante la época del arte carolingio en la corte del rey Carlomagno en Aquisgrán, y durante el periodo posterior del arte otomano, que fue a su vez responsable de varias obras maestras únicas del arte medieval alemán, como la Cruz de Gero (965-70), la Virgen de Oro de Essen (980) y la Cruz de Otón y Matilde (973). La orfebrería fue también una especialidad del arte mosano, una escuela regional de cultura románica centrada en el obispado de Lieja, en la actual Bélgica. Dirigida por orfebres como Godefroid de Claire (1100-73) y Nicolás de Verdún (1156-1232), el movimiento era famoso por su esmaltado cloisonné y champlevé.
La decoración cloisonné llegó a China en el siglo XIV, durante la época del arte de la dinastía Ming, donde se conoció como "cerámica Dashi". De hecho, los objetos chinos más apreciados se realizaron durante los reinados del emperador Xuande y del emperador Jingtai (1450-57). La industria china del cloisonné pudo beneficiarse de la llegada de numerosos artesanos bizantinos tras el saqueo de Constantinopla en 1453. En cualquier caso, el esmalte chino es el cloisonné más conocido del mundo (véase, por ejemplo, la extensa colección de cloisonné chino del Museo de Arte G.W. Vincent Smith de Springfield, Massachusetts), aunque los artistas japoneses crearon exquisitos ejemplos de esta técnica (conocida como "Shippo") a partir de mediados del siglo XIX. En la era del arte moderno, el esmalte cloisonné alcanzó su apogeo a principios de siglo en Rusia, en forma de obras maestras creadas por los plateros Khlebnikov y los orfebres Fabergé para la corte Romanov de San Petersburgo.
Además, hay una colección de famosos ejemplos de esmaltado cloisonné que podemos explorar. Existen numerosos ejemplos destacados de orfebrería decorada con esmalte cloisonné. Entre ellos se encuentran: el Pectoral de Senusret II (1890 a.C., Museo Metropolitano de Arte); la Corona Petrie de estilo celta (100 a.C.); la Corona de Hierro de Lombardía (siglo VIII/IX, Catedral de Monza); el Cáliz Ardagh irlandés (siglo VIII/IX, Museo Nacional de Irlanda); el Altar-tumba de St. Ambrosio (850, Basílica de San Ambrosio, Milán); el Tríptico de Khakhuli (siglos VIII-XII, Museo de Arte de Georgia, Tiflis); la Joya de Alfredo, un ornamento anglosajón del siglo IX; la Virgen de Oro de Essen (siglo X, Catedral de Essen); "Pala d'Oro", el famoso biombo del altar de la catedral de San Marcos de Venecia, encargado por el dux Ordelafo Faliero a los esmaltadores bizantinos en 1102; el Tríptico de Stavelot (1156, Morgan Library & Museum, Nueva York); y los Huevos de Pascua Fabergé creados por Peter Carl Fabergé (1846-1920). Esta es una referencia de la Enciclopedia de Educación Artística en visual-arts-cork.com.
¿Cuál es el encanto del Cloisonné Yaki?
Los japoneses produjeron grandes cantidades de cloisonné desde mediados del siglo XIX, de muy alta calidad técnica. En Japón los esmaltes cloisonné se conocen como 七宝焼 / SHIPPŌ-YAKI . Los primeros centros de cloisonné fueron Nagoya durante el dominio de Owari. Las empresas de renombre fueron la Compañía Ando Cloisonné. Los centros de renombre posteriores fueron Edo y Kioto. En Kioto, Namikawa se convirtió en una de las principales empresas de cloisonné japonés. El Museo del Cloisonné Namikawa Yasuyuki está dedicado específicamente a ella. Veamos el origen del Cloisonné Yaki del Cloisonné Ando. "Cloisonné" deriva de los "siete tesoros" de los que hablan las escrituras budistas. El tipo de joya varía según la escritura budista, pero en el Sutra del Loto se dice que son "oro, plata, lapislázuli, concha de almeja, ágata, maie (un tipo de concha) y perla".
Alrededor del período Momoyama, la "cerámica Cloisonné" parece haber sido nombrada por ser tan bella como las siete gemas.
El cloisonné alambrado es un producto con alambre de plata implantado en el metal y cocido con esmalte de vidrio. La técnica fue establecida por Tsunekichi Kaji en Owari Kaifu-gun (actualmente Kaifu-gun, prefectura de Aichi) durante la era Tempo. Más tarde, con el desarrollo de la ciencia y la tecnología en la segunda mitad del siglo XIX y la creciente conciencia de las artes y la artesanía, la técnica y el diseño del cloisonné también se desarrollaron rápidamente.
En el mundo del arte, cuando el movimiento del japonismo tuvo lugar principalmente en Europa y Estados Unidos, las artes del cloisonné de Japón en las Exposiciones Mundiales celebradas en todo el mundo llegaron a ser muy valoradas en todo el mundo como una artesanía exclusivamente japonesa por su arte y exquisitez, sin rival.
El encanto del Cloisonné como obra de arte que fascinó al mundo como parte de la belleza de la cultura japonesa ha calado no sólo entre los amantes del arte en Japón y en el extranjero, sino también como decoración de diversos objetos de la vida cotidiana.
El aspecto chispeante propio del Cloisonné y la profundidad de los colores superpuestos atrapan el corazón de la persona que lo ve.
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